Por Caronte

Moliere, o Las aventuras amorosas del joven Moliere, como se tradujo aquí en España, es un drama romántico que comienza con la llegada del escritor a Paris después de estar años en las provincias representando farsas y comedias. Al entrar por fin, al precioso teatro de Paris, Moliere se decide a no representar las obras cómicas que siempre había hecho, a pesar de que todo el mundo, incluido su mecenas y sus colegas de la compañía de teatro, esperan de él más de lo mismo: una comedia. Al tiempo, una carta de una antigua conocida le cita en su casa. Este será el comienzo de una película sencilla de enredos amorosos y personajes divertidos, muy reseñable el gracioso canalla de Durante, en la que el actor protagonista Romain Duris interpreta a un Moliere obsesionado con la pureza del teatro que, sin embargo, no tiene talento para representar tragedias. Viéndose durante toda la película envuelto en una curiosa farsa para adiestrar en el arte del teatro a un burgués, con pretensiones hacia una bella dama de la corte, mientras que a su vez seduce a la mujer del pobre pretendiente.

La película en sí no es una maravilla del séptimo arte, pero se deja ver y es entretenida, aparte de estar bastante bien producida.

Lo peor: Nada en concreto, quizá la falta de contundencia de la banda sonora en algunos momentos pero tampoco vamos a pedir más a una comedia romántica ¿o sí?…

Lo mejor: Algunos personajes como Durante y el momento “en el que el burro da la coz”(vedla y lo entenderéis ;P)

¡Piratas! es un largometraje de stop-motion realizado mediante el uso de plástico, silicona y esqueletos de alambre por la factoría Aardman, conocida por otras películas como Chicken run o Wallace y Gromit. En esta ocasión la historia que nos presentan es la de unos brabucones y torpes marineros que forman la tripulación de un grupo de bucaneros encabezados por el Capitán Pirata, cuyo único sueño es el de convertirse en el ganador del concurso al mejor pirata del año, encumbrándose como el más temido corsario de los siete mares y desbancando a sus eternos rivales, Pata de Palo Hastings, Black Bellamy y Sablazo Liz, quienes siempre le vapulean en todas las ediciones pasadas. A pesar de contar con el apoyo incondicional de su tripulación, formada por Número Dos, Pirata Albino, Pirata con Gota y Pirata con Curvas Sorprendentes, el Capitán deberá vencer su propia mala suerte para ganarse la admiración de sus colegas de gremio. Será el azar el que tras un buen número de abordajes infructuosos, haga coincidir al Capitán con el naturalista Charles Darwin, y de cuyo encuentro surgirá el descubrimiento de un ave considerada extinguida,  que no será otra que el propio loro del capitán, su amado Polly. Un verdadero tesoro que llevará a los bucaneros hasta la Royal Society y a encuentros rocambolescos con la gruñona y anti pirata reina Victoria de Inglaterra, en un Londres sucio y de densa niebla, que poco o nada tiene que ver con la exótica Blood Island caribeña a la que están habituados los protagonistas.

Una película divertida y gamberra, salpicada de numerosos gags con un humor notablemente británico que trata de hacer relucir no solo su pasado glorioso sino a personajes distintivos de su historia a los que no trata, por cierto, con demasiada generosidad, convirtiendo a Darwin en un quejica desmedido que solo ansía tener novia y que recurre a las habilidades de su mono para salvarse de más de un tropiezo; o a una reina Victoria, -Vicky para sus detractores-, como una histérica de culo gordo y que protagoniza, katana en mano, una de las escenas más rocambolescas de la película.

Técnica y visualmente se puede disfrutar de los numerosos detalles con los que se han recreado los escenarios y los propios personajes, dotando de mayor valor a esta práctica manual ya extraña en una era tan digitalizada. El guión, basado en el libro de Gideon Defoe “The pirates in an adventure with scientists” nos lleva por un disparatado viaje a bordo del poco afortunado barco de los protagonistas, los cuales no solo consiguen hacerse entrañables sino que harán de su torpeza e inocencia el elemento de humor de la película.

Trailer

Obra:  La princesa prometida
Autor: William Goldman
Editorial: Martínez Roca 2004

La princesa prometida es una novela publicada en 1973 por William Goldman, conocido  como escritor y guionista (“Dos hombres y un destino” o “Todos los hombres del presidente”) y que alcanzaría gran fama tras el rodaje de la película basada en el libro y dirigida por Rob Reiner en 1987, hace ya 25 años.

El argumento del libro se basa principalmente en la historia descrita en la película, un relato de aventuras, amor verdadero, príncipes, piratas y espadachines, donde la historia de los personajes cumple con todos los tópicos del género dando pie a una de las películas de culto tras el paso de los años. Curiosamente el libro de Goldman en el cual se inserta esta historia es cualquier cosa excepto convencional. El autor narra en el libro no solo la historia de la princesa Buttercup y su amado Westley, sino que lo hace como si el libro ya estuviera escrito por otro autor, un tal señor Morgenstern, cuyo relato le habría abierto los ojos en su niñez hacia una vida dedicada a los libros y la escritura, cuando su padre se lo leyó durante una temporada en cama debido a una pulmonía. El arranque del libro nos sitúa en ese mágico recuerdo de Goldman y en como desea legar ese mismo recuerdo a su hijo, regalándole el original de Morgenstern. Para su decepción, su hijo no logra pasar del segundo capítulo y es entonces, leyendo por primera vez de manera directa la historia, cuando se da cuenta de que su padre omitió las partes más aburridas de la novela, dando pie a una historia mucho más trepidante que la redactada por Morgenstern. Tras el descubrimiento de tan terrible realidad, Goldman se propone rescribir el cuento tal y como lo leyó su padre, o al menos como él la recuerda de niño.

Así la historia de la princesa prometida, en su mayor parte exacta a la narrada en la película, se ve salpicada con las explicaciones de Goldman y los motivos que le llevan a suprimir una u otra parte, conjugándose con su propia historia personal y la de su familia, muy lejos de una historia de amor verdadero como la que viven Buttercup y Westley. Sus comentarios ingeniosos dan vida a la historia que en la película refleja la relación del abuelo y su nieto, pero contada en primera persona, no molestando la narración sino aportando aún un modo de comprender la fantasía de los cuentos desde los ojos de la infancia.

En lo que respecta a la propia historia en sí, el libro aún puede aportar cosas a quienes hayan visto la película, pues completa en parte la historia de los personajes, explicando como Buttercup se da cuenta de su amor infatigable por Westley o cómo descubre el príncipe Humperdinck su existencia y llega a prometerse con él –algo que en la película se omite quedando como laguna-. Otros personajes como Fezzik, Vizzini o el propio Iñigo Montoya también relatan más profusamente su historia pasada y como llegan hasta el encargo de secuestrar a la princesa y el periplo que viven para rescatar a Westley con su increíble descenso por el Zoo de la Muerte. El resto del desarrollo es prácticamente el mismo que en la película, exceptuando algún cambio de localización y la inclusión de más personajes que terminan de dar colorido al cuento, como la princesa Noreena o la mujer del conde Rugen inventora del glamour.

Es significativo, sin embargo, que la historia de Morgenstern, es decir la de Goldman, no termina con un final feliz. Cuando los héroes montan los caballos blancos y huyen el fin tarda en llegar, sigue la persecución y la acción durante más páginas hasta por fin dar por finalizado el relato con regusto algo agridulce, no tan redondo o esperanzador como el de la película, que supo bordar con acierto el final de su argumento.

La historia, según la publicación de la novela, continúa incluso algo más, con “El bebé de Buttercup” un retazo de una segunda parte que narra la historia de los personajes un año después y que lejos de aportar grandes momentos deja un regusto amargo en los pocos capítulos inconexos con los que cuenta.

Definitivamente, la película fue un acierto de adaptación de la novela, la cual como no, fue realizada por el propio William Goldman, sabiendo elegir los mejores momentos del libro y redondeando el cuento como una fantástica historia de aventuras, acción, amor verdadero, princesas, espadachines y piratas, que sin embargo no eclipsa la novela, la cual no solo aporta más datos y escenas memorables, sino que da un toque de originalidad al relato de un clásico cuento de fantasía.

Este año se celebra el 25 aniversario de una de las películas de aventuras icono de los años 80, The Princess Bride. Estrenada en 1987 y dirigida por Rob Reiner, la cinta no tuvo el éxito esperado de taquilla que podíamos suponer, ni por aquel entonces contaba con grandes estrellas en el reparto, pero poco a poco se fue convirtiendo en una película de culto gracias, sin duda, a una serie de fascinantes personajes y escenas memorables. La película, basada en el libro de William Goldman escrito en 1973, ofrecía todos los ingredientes de una gran película de aventuras: duelos, amor verdadero, acantilados imposibles, gigantes, inteligentes sicilianos, príncipes malvados, doncellas en apuros, piratas, venganza…  el combo perfecto junto a grandes frases, como la ya mítica de Iñigo Montoya, que la llevaron a convertirse en película referente del género de capa y espada.

El año pasado, la revista Entertainment Weekly reunió a casi todo el reparto para una foto de aniversario,  incluyendo un homenaje póstumo a los fallecidos André el gigante y Peter Falk el entrañable abuelo que leía el libro a su nieto enfermo. Una foto para el recuerdo que permite ver lo mucho o poco que han cambiado los héroes de esta historia típica y tópica pero cargada de una magia especial; como también para el recuerdo queda ya el gran duelo creado por el recientemente fallecido Bob Anderson en los Acantilados de la Locura entre Iñigo Montoya y el Pirata Roberts.

Paralelamente a esta fotografía comenzaron a surgir rumores por Hollywood apuntando a un posible remake, en la línea de falta de ideas de esta industria en los últimos años, una propuesta que ha levantado ampollas entre los propios actores, llegando a afirmar Mandy Patinkin, ( Iñigo Montoya) “Espero estar muerto antes de que hagan un remake. No me gustaría tener que pasar por eso. Es más ni siquiera me gusta que lo mencionen” . El director Jason Reitman parecería interesado en realizar dicha versión, de la cual no se han vuelto a tener noticias quedando tan solo en un rumor más o menos creíble.

Mientras tanto los aliviados fans podremos seguir disfrutando de los grandes momentos de la película original, aquellos con los que aún nos emocionamos como entonces, cuando con más o menos años quisimos escuchar ese cuento que narraba un abuelo a su nieto que odiaba leer, y al cual despertó las ganas de imaginar una gran historia llena de “duelos, luchas, tortura, veneno, amor verdadero, odio, venganza, gigantes, cazadores, hombres malvados, hombres buenos, bellas mujeres, bestias de todas las formas y tamaños, dolor, muerte, hombres fuertes, encierros, huidas, verdades, mentiras, pasión y milagros”.

Aqui os dejo el enlace a la reseña de la pelicula que en su día escribió Caronte para el blog.

La película de Solomon Kane fue estrenada en los cines en el año 2009, con dirección de Michael J. Bassett y con James Purefoy como protagonista. Basada en la serie de novelas de Robert E. Howard, el conocido autor de las aventuras de Conan, publicadas entre 1928 y 1932, narra las aventuras de un puritano que combate el mal con sus pistolas, su espada y su daga en el siglo XVI.

Al comienzo de la película Solomon Kane es un hombre que disfruta de la guerra y la violencia por todos los continentes. Sera en África donde algo extraño le suceda al asaltar un castillo en busca de riquezas, sus hombres van muriendo a medida que avanzan y hasta que al llegar a una de las cámaas, Kane se ve obligado a hacer frente a la muerte encarnada, un demonio llamado Guadaña, enviado por el mismísimo Diablo para reclamar su alma corrupta. Kane logrará escapar, pero el enfrentamiento y el miedo a condenarse le cambiarán, guiándole hacia una vida pacífica y de perdón dentro de un monasterio. Su reciente fe en la benevolencia tendrá que hacer frente a la Inglaterra de su siglo envuelta en diabólicos seres poseídos que saquean y aterran las comarcas, encabezados por un siniestro jinete sin rostro.

Película de aventuras con un toque fantástico en las criaturas que acechan la Inglaterra del siglo XVI, que como tal cuenta con todos los elementos del género de espada y brujería: luchas de espadas, seres diabólicos, la búsqueda de la redención del protagonista… quizás el final es previsible, pero es del todo asumible dado el tipo de argumento que se va desarrollando. El protagonista James Purefoy , que poco después haría de protagonista de Templario, da el perfil buscado, y se rodea de un nutrido grupo de buenos actores secundarios. Aún en los momentos puntuales más bajos de la película, ésta no se hace aburrida y permite meterte en esa atmosfera oscura demoniaca aunque sin demasiadas dosis de terror.

“La Reina Margot” es una película de 1994 coproducida por Francia, Alemania e Italia y dirigida por Patrice Chéreau. El guión está basado en la novela del mismo nombre de Alejandro Dumas, donde se narran las consecuencias políticas de la Matanza de san Bartolomé en París la noche del 23 de agosto de 1572. Para asentar la paz entre católicos y protestantes, en el contexto de la guerra de religión que vivió Francia durante el siglo XVI, Carlos IX, el neurótico rey marioneta en manos de su madre Catalina de Medici, aspira a congraciar ambos bandos dando muestras de buena voluntad. Para ello acoge a su lado y se granjea la amistad del General protestante Gaspar de Coligny e impulsa un matrimonio entre su hermana Margot y el hugonote Enrique de Navarra – finalmente rey de Francia hasta 1610. Sin embargo las conspiraciones al trono y la lucha entre protestantes y católicos detonarán una atmósfera de furia que dará pie a la masacre, con la nube de la sospecha sobre los partidistas monárquicos, cuyos intereses e intrigas se narran en la película. La consecuencia de aquella noche fue la muerte de 2000 personas en una de las mayores matanzas religiosas europeas, así como la extensión del conflicto a otras regiones francesas, quintuplicando el número total de asesinados por el odio religioso de los católicos.

El argumento, centra la historia política bajo la visión de Margot y de un joven soldado hugonote, La Môle, quienes se conocerán en París con motivo de la boda y donde vivirán la crueldad de aquellos días que los unirá para siempre. Entre el reparto se encuentra la bellísima Isabelle Adjani encarnando a la propia Margot, Daniel Auteuil como Enrique de Navarra y Vicent Perez como La Môle, y con Virna Lisi como la imponente Catalina de Medici.

La pelicula te introduce con rapidez en la atmósfera de intriga y sordidez que envuelve a la casa real francesa en esos momentos, y como los distintos partidos religiosos comienzan a oler el ambiente de la crispación que se va acumulando en las calles de París. El elenco de actores cumple con mérito sus papeles, introduciéndonos en los personajes y sus deseos: la lujuria, la envidia, el incesto, el ansia de poder, el miedo y el amor serán el cauce por el que se llegue a una situación explosiva. El vestuario y la música acompañan perfectamente al drama histórico, que no precisa de demasiados escenarios de la ciudad para introducirte en el climax de violencia y odio que tendrá lugar.

Lo peor: quedarse con las ganas de haber visto una mejor recreación del París de la época, que si bien con las herramientas actuales es más factible, no lo era tanto cuando se rodó la película.

Lo mejor: las interpretaciones, la ambientación y el ritmo fluido con el que acontece la historia hacen que en conjunto descubras el enrevesado momento histórico en el que todo acontece.

Sacado a modo de spin-off de la saga de Shrek, el Gato con Botas nos ofrece esta precuela de las películas principales, con el protagonismo de este espadachín gatuno que apareció en la segunda película del famoso ogro verde.

‘Mucho antes de conocer a Shrek, el notorio espadachín, amante y forajido Gato con Botas está decidido a recuperar el honor mancillado emprendiendo una aventura junto a la dura y curtida Kitty Zarpas Suaves y el astuto Humpty Dumpty. Su objetivo: unas judías mágicas: Su principal obstáculo: los infames forajidos Jack y Jill. Esta es la verdadera historia de una leyenda, de un mito, de… ¡el Gato con Botas!

La historia arranca casi desde la infancia del minino en un hospicio junto a su amigo Humpty Dumpty. Tras un acto de valentía el Gato se convierte en el héroe bien amado del pueblo para luego sufrir una traición que lo convertirá en renegado huido de la justicia. Es así como el Gato con Botas se echa a andar por el mundo conquistando gatitas y robando a los forajidos. Tras años viviendo al margen de la ley, encuentra la manera para redimirse, que no es otra que hacerse con las famosas judías mágicas que están en posesión de la infame pareja de Jack y Jill. A regañadientes el Gato tendrá que aceptar compartir el encargo con la atractiva Kitty Zarpas Suaves y un viejo amigo poco de fiar, el huevo Humpty  Dumpty. De esta forma la película nos introduce varios cuentos como “Jack y las habichuelas mágicas” o “El Patito Feo” o la historia popular de “Humpty Dumpty” dentro del cuento del “Gato con Botas”, algo que ya sucedía en las películas de Shrek.

La película es corta y aunque su guión es previsible no deja de ser entretenida y divertida, ofreciéndonos, sobre todo al inicio, los mejores guiños al Gato como espadachín justiciero con muchas referencias visuales a El Zorro mezcladas con cierta estética mexicana, muy presente en la banda sonora. De las más notables escenas está la persecución por los tejados, muy gatuna y a la vez muy de película de aventuras. Mención aparte merece el duelo de baile entre Kitty y Gato, que sorprende, enmudece y divierte por lo chocante de la misma.

En definitiva, una película entretenida, que sigue la estela de Shrek pero quizás sin su ingenio incial, pero con suficientes guiños a las películas de aventuras de capa y espada.

Como apunte final,  el DVD adjunta un corto de animación de “El Gato con Botas y los Tres Diablos” donde aparecen tras lindos gatitos con trajes de mosqueteros. En la web oficial de Puss in Boots podéis ver el cartel y el tráiler.

Lo peor: a ratos el argumento es demasiado previsible si bien esto no debería sorprender a nadie.

Lo mejor: el humor en ciertos diálogos y la primera parte de la película, la que más referencias guarda al cine de capa y espada.

Anonymous indaga en una de las múltiples teorías, la oxfordiana, que sobrevuelan la verdadera identidad del famoso dramaturgo William Shakespeare, bajo el cual solo se encontraría un seudónimo o tapadera de alguien más notorio dentro de la sociedad isabelina inglesa. Partiendo de esta premisa, el argumento nos lleva hasta Edward De Vere, Conde de Oxford, amante de la reina y privilegiado cortesano amante del teatro y del verso, que ve en el teatro la posibilidad de ensalzar a las masas en pro de un ideal político. Dotado de una gran capacidad literaria, pero incapacitado por su posición social, el Conde recurrirá a un escritor, Ben Jonson, para conseguir estrenar sus obras; pero lejos de ser el literato quien las firme, aparecerá un actor de segunda, mujeriego, traicionero y ególatra llamado William Shakespeare dispuesto a llevarse la fama. Junto a este argumento principal se entrelaza el juego cortesano que conspira por la sucesión del trono de Isabel I entre el Conde de Essex y  los Cecil, William y Robert, primeros ministros de la reina y que arrastrará al propio Conde de Oxford.

La película dirigida por Roland Emmerich sorprende mucho con respecto a su anterior filmografía (Independece Day, El día de mañana, 2012) de las cuales aporta la tecnología digital para reconstruir el Londres isabelino sucio, demacrado y muy creíble donde se desarrollará la trama. Contada como una obra teatral dentro de otra, la historia nos va acercando a la pasión de antaño por el teatro y como éste era un arma eficaz político y subversivo del pueblo donde la palabra era tan poderosa como la espada. El complot  conspiranoico resalta, sin embargo algo menos dentro de la historia, donde las obras de Shakespeare ofrecen los mejores momentos de la película. Del elenco de actores cabe destacar a Rhys Ifans como el Conde de Oxford, el cual muestra la pasión, casi locura, de su amor por la literatura de un modo creíble y certero. El resto de personajes adolecen algo más de simplicidad frente a un argumento que podría ahondar aún más en la inestabilidad política, lo que haría excesivamente larga la duración de la cinta.

Dejando de lado la credibilidad o no de la teoría de si Shakespeare fue o no, quien nos han dicho que es, la película ha resultado sorprendente con respecto a la calidad esperada, resultando creíble dentro de la ficción.

Lo peor: la confusión de ciertos personajes en los saltos temporales, y una trama conspirativa que queda corta.

Lo mejor: la recreación del Londres del siglo XVI con panorámicas digitales, la forma de narrar la pasión por el teatro y su importancia dentro de su época y la interpretación de Rhys Ifans como el Conde de Oxford.

Trailer:

La película dirigida por Imanol Uribe, basada en la novela homónima de Gonzalo Torrente Ballester, nos sumerge de lleno en la corte de los Austrias de la mano del joven Felipe IV, el cual queda pasmado al ver el cuerpo desnudo de Marcisa, la tusona más famosa de la villa y corte; a raíz de esto decide que desea ver desnuda a su esposa la reina. Tras este sencillo argumento se esconde una buena película donde se ve el discurrir cortesano del siglo XVII y los prejuicios de la época en cuanto a moral, erotismo y fe se refieren. La Inquisición tomará parte en el asunto que llena la boca de todo el pueblo en los mentideros, y que puede condicionar el destino del Imperio, dado que el pecado del rey habría de desorganizar el orden natural y sobrenatural del mundo, como se pudo apreciar en la villa a través de numerosas apariciones fantasmales y demoníacas.

El reparto no podría estar mejor escogido, el parecido físico entre Felipe IV y Gabino Diego es incuestionable, así como el de Javier Gurruchaga y el Conde-Duque de Olivares. Por otra parte las interpretaciones de Juan Diego como dominico intolerante, destacan en el fondo de otros grandes actores de la época, como Fernando Fernán Gómez como Gran Inquisidor, Eusebio Poncela como el Conde de Peña Andrade o María Barranco como Lucrecia. Todos contribuyen a crear una historia que refleja los prejuicios morales con cierto toque de humor, erotismo y un destello de fantasía, que permite vislumbrar la sombra del diablo en este juego de escándalos cortesanos, donde se dejan entrever capítulos reales de la historia de cada personaje: los galanteos del rey, o la imposibilidad de Olivares de tener descendencia. Mención aparte merece la ambientación y el vestuario, tan cuidados que parecen sacados de los cuadros de Velázquez, mientras nos paseamos por callejas y mentideros, gratamente reflejados, y por los salones de palacio, casi todos ellos pertenecientes al palacio renacentista del Marqués de Santa Cruz en Viso del Marqués (Ciudad Real).

“El rey pasmado” obtuvo ocho premios Goya en 1991, entre ellos el de mejor guión adaptado (Joan Potau), mejor actor de reparto (Juan Diego), mejor música (José Nieto), y mejor dirección artística, vestuario y producción, entre otros.

En definitiva, una de las mejores películas del siglo de oro de producción española, bien ambientada, ágil, divertida y con un gran elenco de actores.

Lo peor: la pobre imagen de Felipe IV, realmente pasmado.

Lo mejor: la música de José Nieto, sugerente y bien adaptada, las interpretaciones, la ambientación que recrea escenarios típicos de la época, y el vestuario, pero sobre todo la frescura de la propia historia, divertida y ágil.

El gran maestro de esgrima de la época dorada del cine de aventuras de Hollywood Bob Anderson, murió el pasado 1 de enero de un cáncer que padecía desde hacía tiempo.

Nacido en 1922 al sur de Inglaterra, representó a su país en los Juegos Olímpicos de Helsinki en 1952 consiguiendo un 5º puesto; allí sería contratado para entrenar al actor Errol Flynn para las escenas de esgrima de la película “El señor de Balantry”. Este sería el comienzo de una fructífera colaboración que daría grandes escenas de capa y espada en multitud de películas con este actor como protagonista. Como maestro de esgrima y doble de actores, diseñaría las coreografías de las más conocidas películas del género, como La Princesa Prometida, Los Tres mosqueteros, La máscara del Zorro, Piratas del Caribe, Los inmortales así como de dos de las grandes sagas de Hollywood: Star Wars y el Señor de los Anillos. Su última película como maestro de esgrima fue Alatriste, dirigida por Agustín Díaz-Yañez en el año 2006, en colaboración con el maestro Jesús Esperanza. En el año 2009 apareció en el documental Reclaiming the Blade, en una de sus últimas entrevistas.

Una triste pérdida para el mundo de cine y especialmente para las aventuras de capa y espada.

Aqui dos videos homenaje con sus mejores luchas de espadas: