Dentro de la estricta sociedad masculina del siglo XVI y XVII, a su vez caracterizada por ser el siglo de oro de las artes como la pintura y la literatura, se pueden encontrar mujeres que rompieron la tendencia de su tiempo, y se dedicaron con fortuna a actividades propias de los hombres de su época.

Entre estos casos se encuentran nombres como el de Artemisa Gentileschi, Sofonisba y Lucia Anguissola, Lavinia Fontana, Clara Peters, Luisa Roldán “la Roldana”, las hijas de Pedro de Mena, y Josefa de Ayala.

Durante el siglo de oro era corriente que dentro de la educación que recibían las mujeres de noble cuna se incluyera no solo el arte musical sino también el de la pintura, por eso no es de extrañar que en su madurez muchas de estas mujeres instruidas desarrollasen su talento. De ello han quedado incluso testimonios literarios que reflejan la relativa frecuencia de la existencia de la mujer pintora, dentro de la sociedad de entonces, aunque lo más inusual era  que esa afición se convirtiese en una actividad profesional.

Dentro del grupo de pintoras cabe destacar que la gran mayoría contaban con una de las tres premisas siguientes: ser noble, monja o familiar de artista. Del primer grupo de damas es reseñable el gran renombre que tuvo en su tiempo Sofonisba Anguisciola, joven muy culta que entre 1559 y 1574 residiría en España y que gozaría del favor real, siendo maestra de pintura de la reina Isabel de Valois y llegando a realizar algunos de los mejores retratos de Felipe II. Dentro del clero cabe destacar a Sor Estefanía de la Encarnación, monja profesa del Monasterio franciscano de Santa Clara de Lerma, la cual reúne las tres premisas juntas, habiéndose dedicado incluso durante su vida a la pintura como profesión, teniendo taller público y forjándose cierta fama al compararla entonces con la destreza de Sofonisba. Aquellas mujeres nacidas dentro de familias con taller artístico adquirían desde pronto la destreza con el dibujo y la pintura heredada de sus progenitores; de este grupo surgieron el mayor número de artistas profesionales, como Luisa Roldan “La Roldana” (video sobre su obra), Josefa de Obidos o María Eugenia Beer y Ana Heylan. Muchas hijas de artistas, como las del gran escultor Pedro de Mena, pudieron dedicarse profesionalmente al oficio como ayudantes de sus padres, pero las crónicas no aclaran hasta que punto influyeron en el desarrollo posterior del taller.

Queda, por tanto reflejada la existencia de esas mujeres que pudieron con mayor o menor éxito dedicarse con ciertas dificultades al mundo del arte, transgrediendo el orden natural de la sociedad de su tiempo.

En el siguiente video podreís ver algunas obras realizadas por pintoras del siglo XVII:

En el siguiente blog teneís bibliografías de distintas artistas femeninas del mundo del arte: Mujeres Pintoras Blog

Además en el Museo del Patrimonio Municipal de Málaga puede visitarse la exposición “La Estética de la edad Moderna en femenino” hasta el mes de Junio.

Los pantalones vaqueros surgieron en el siglo XV en Génova, gracias a la necesidad que tenía la armada de un pantalón multiusos de tela resistente y cómodo para el trabajo de mar. Para su manufactura se utilizó el fustán o tela de geanes y con el tiempo los propios marinos fueron los que tiñeron la tela con su característico color azul índigo procedente de la India. A pesar de la popularidad de ésta tela, al ser empleada en trabajos tan duros que desgastaba la ropa por completo, y por ser usada por personajes pobres y trabajadores, visualmente no fue reflejada a lo largo de los siglos, al carecer de importancia ese estrato social para la historia de la pintura.

Pero la atracción que la vida cotidiana como tema de la pintura surgida en el siglo XVII, nos ha dado la oportunidad de contemplar los más bajos estratos sociales, sus costumbres y modo de vida. Y es así como, bajo la mano de un pintor italiano anónimo, nos han llegado diez cuadros del conocido como “Maestro della tela jean” que reflejaron a los mendigos y pobres vestidos con sus atuendos a base de esa tela genovesa y su característico azul. El Maestro, con su carácter solemne, y esa dignidad en representar al ser humano, pudo ser quizás alumno de Velazquez, de La Tour o de Le Nain. Éstos significativos cuadros fueron expuestos en la Bienal de anticuarios de París, en la Galeria Canesso el año pasado y hasta mediados de éste mes, para sorpresa de sus visitantes.

El 5 de noviembre, el Museo del Prado inicia una exposición sobre el pintor flamenco Peter Paul Rubens (1577-1640) con los fondos del museo que alberga unos 90 cuadros, la más importante y numerosa colección sobre este artista perteneciente a un museo. El motivo de porqué el Prado posee en propiedad tantos cuadros de Rubens tiene que ver con la historia de su autor. Rubens vivió en Amberes y fue allí donde desarrolló su carrera, por entonces en suelo gobernado por la monarquía española; este hecho le haría estar prontamente vinculado a la misma como diplomático, consejero y pintor, siendo el rey Felipe IV uno de sus mayores admiradores y coleccionistas, que encargó multitud de cuadros para las estancias de sus palacios madrileños. Su fama en vida fue enorme, gracias a la admiración que produjo su obra en toda Europa. Su forma de pintar expresiva y poderosa transmite una visión exaltada de la vida, un potencial desbordado en imágenes que reflejan la excelencia humana a través de su gran conocimiento sobre el mundo clásico.

La exposición podrá contemplarse desde el 5 de noviembre al 23 de enero, junto con una serie de actividades paralelas y vinculadas a la muestra. Se proyectará un documental dedicado al pintor, se realizarán charlas explicativas gratuitas y un concierto a cargo del grupo de música barroca “La Folia” interpretando piezas de la época.

Por primera vez una exposición, Bibliotheca Artis: Tesoros de la biblioteca, pone a la luz los 40 libros y manuscritos fechados entre 1500 y 1750 pertenecientes al Museo del Prado. La muestra se articula en tres apartados: la Bibliotheca Artis dedicado a los hitos de la bibliografía artística europea con grandes tratados renacentistas y obras fundamentales del siglo de oro español, de autores como Pacheco, García Hidalgo, Palomino y Carducho. Como capitulo importante dentro de este apartado, se tratará con interés la teoría del arte durante el Siglo de Oro español, en el que se mostrarán importantes novedades. Entre los tratados expuestos se podrá ver por primera vez en público el manuscrito Comentario de la pintura de Felipe de Guevara, recientemente descubierto. Así mismo de Francisco Pacheco podrá verse la primera edición de su Arte en la pintura (1649) con un rarísimo folleto manuscrito con anotaciones del pintor y del retrato que le pintó Diego Velázquez. Dentro de estas piezas especiales expuestas por primera vez, también se encuentra el manuscrito de los Discursos de Jusepe Martinez.

La Bibliotheca Architecturae, donde se exponen los tratados de arquitectura desde Vitrubio, Palladio, Serlio, Vignola, Delorme o Dieteterlin. Así mismo podrán verse una pequeña selección de libros de fiestas, los únicos testimonios de las arquitecturas efímeras desaparecidas, construidas para eventos reales por autores como Rubens o Valdés Leal.

La Bibliotheca Imaginis que acerca los libros de ilustraciones como base para el trabajo de los artistas y donde se puede contemplar bellas reproducciones de los libros de emblemas barrocos, mostrando la importancia de la ilustración de libros para la visión de la Edad Moderna. Entre los expuesto varias obras de gran importancia para comprender el significado del arte renacentista y barroco: las Metamorfosis de Ovidio (1595) y la Iconología de Ripa (1603).

Por último la Biblioteca del Museo, cuyo crecimiento ha hecho que se abra su nueva sede en el Casón del Buen Retiro, con un importante fondo antiguo de 4500 volúmenes especializados en Historia del Arte, algunos verdaderamente raros e importantes. Toda la exposición se encuentra ilustrada a su vez por cuadros del fondo del museo.

Esta exposición establece relación con el curso Sacar de la sombra lumbre. La teoría de la pintura en el siglo de oro (1560-1724) realizado por el propio Museo del Prado.

No solo el siglo XVII fue llamado el Siglo de Oro en España, sino que en otras partes de Europa también supuso una gran concentración de genios en sus categorías. Un buen ejemplo de esto lo tenemos en la pintura holandesa y flamenca, las cuales por estas épocas compusieron su Edad de Oro, con un interesante desarrollo de nuevos géneros pictóricos, y la redefinición de los ya establecidos, como el retrato, el bodegón o el paisaje a través de grandes pintores como Vermeer, Ostade, Rembradt, o Ruisdael.

Parte de estas obras pueden verse a partir de mañana en la exposición que ha organizado el Museo Guggheneim de Bilbao, bajo el nombre de La Edad de Oro de la pintura holandesa y flamenca del Städel Museum. Las 130 obras aportadas de la colección del comerciante y banquero Johann Friedrich Städel, ayudarán a entender el florecimiento de este periodo pictórico, enmarcado en un contexto histórico muy definido, con la sublevación holandesa en 1586 contra los Habsburgo y todo el periodo de guerras durante el cual, las Provincias Unidas del norte de Holanda se desarrollaron como una gran potencia comercial. Este nuevo orgullo e identidad, unidos al florecimiento de la economía pusieron a la mayoría protestante y burguesa como principales mecenas del arte.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) es, sin duda, el maestro de la edad de oro de la pintura holandesa. Ni su muerte un 4 de octubre de 1669 ni las innumerables deudas que acumuló en los últimos años de su vida pudieron eclipsar un talento que le hizo ser respetado por la corte de La Haya y por la burguesía, así como por los pintores futuros. Su capacidad de fusionar lo corpóreo y lo espiritual hicieron de sus obras elementos únicos, logrando captar al espectador en un sentimiento emotivo de la humanidad que reflejaba en sus cuadros. De entre ellos se conservan muchos autorretratos que narran en su reflejo la desafortunada vida del pintor, desde su juventud como pintor de éxito en 1630 hasta evolucionar a una vejez con duros golpes que afrontar, reflejando la acritud de quien sobrevive a su propia descendencia. Rembrandt fue un hombre golpeado por el duro destino de la tragedia personal y de la ruina así como algunos escándalos amorosos. Su intento de vivir por encima de sus posibilidades, su afán coleccionista de antigüedades y rarezas, así como su mala suerte en inversiones personales lo llevaron a la pobreza, que aparejada con la muerte de su único hijo adulto, lo llevarían a enfermar hasta la muerte, por depresión o por enfermedad, siendo enterrado en una tumba sin nombre en el cementerio Westerkerk de Ámsterdam, como muchos de los genios de su época.

Hoy, el Museo Nacional del Prado, abre el plazo de inscripción para el nuevo curso monográfico que se celebrará los días 14 y 15 de octubre: “Sacar de la sombra lumbre. La teoría española de la pintura en el Siglo de Oro“.El curso es accesible no solo a profesorado y amigos del museo, sino también al publico general, previo pago de la inscripción. El curso, en el que participarán profesionales del Museo, catedráticos de distintas universidades y otros destacados especialistas, incluirá una visita a la exposición “Bibliotheca Artis. Tesoros de la Biblioteca del Museo del Prado” que se inaugurará el 5 de octubre.

A continuación copio el extracto del curso:

En los últimos treinta años, los estudios en torno a la literatura artística española del Siglo de Oro han procurado nuevos hallazgos que manifiestan la peculiaridad de los tratados españoles y han conseguido desechar el prejuicio que hacía de ellos meras derivaciones de la teoría artística foránea, en particular la italiana. El objetivo del curso es establecer un estado de la cuestión sobre la teoría española de la pintura entre 1560 y 1724, añadir nuevos autores y obras al elenco establecido y estudiar, desde la teoría, los aspectos más significativos sobre la pintura religiosa, los géneros de la pintura, las polémicas más importantes del siglo XVII o las relaciones entre pintura y literatura.

Más información: http://www.museodelprado.es/actividades/programa/cursos/sacar-de-la-sombra-lumbre-la-teoria-de-la-pintura-en-el-siglo-de-oro-1560-1724/

Programa: http://www.museodelprado.es/fileadmin/Formularios_Educaci__n/PROGRAMA_PDF.pdf

En los sótanos de la Universidad de Yale descansaba desde principios de siglo un cuadro barroco de la escuela española del siglo XVII, llamado La educación de la Virgen, lienzo que los expertos atribuyen ahora al genio de Velázquez. Tras arduos debates, que todo descubrimiento como el ocurrido generan en el mundo del arte, y a falta del dictamen final de los análisis científicos, la obra que hasta ahora era considerada anónima podría ser ratificada como parte de la etapa sevillana del genio español. Esta decisión está apoyada por el conservador jefe de arte europeo del Museo de Bellas Artes de San Diego, John Marciari, quien no es otro que el descubridor de toda esta historia. Según Marciari el oleo habría sido pintado en los primeros años de la carrera profesional de Velázquez, allá por 1617 y las pistas que argumentan su identificación se basan en la similitud de estilo con otra obra de ese año llamada El Almuerzo y con las pruebas que señalan al uso del mismo tipo de soporte utilizado como lienzo en otras tantas de sus obras. Según el estudio presentado, el cuadro podría haber estado en el altar mayor del convento carmelita de Santa Ana hasta 1626, cuando el edificio se inundó, a partir de esa fecha poco más se sabe, salvo que en 1925 llegaría a EEUU. L a publicación de Marciari dará pie a un gran estudio por parte de los expertos, mientras que el Museo del Prado, máxima autoridad en este tema, guardará silencio hasta que se reúnan todos los datos.

El cuadro refleja el momento en el que la Virgen niña aprende a leer, rodeada por sus padres San Joaquín y Santa Ana y un coro de ángeles junto a un bello bodegón; su estado es bastante pésimo, pues faltan al menos 25 cm de la parte superior del lienzo, así como del borde izquierdo y el inferior. Los daños se produjeron por el largo periplo que sufrió la obra desde el siglo XVII hasta ahora, siendo afectado por ataques del agua, del fuego y de un mal almacenaje.

Más información:  

http://www.elpais.com/articulo/cultura/repente/Velazquez/elpepucul/20100701elpepicul_1/Tes

http://benitonavarrete.blogspot.com/2010/06/la-educacion-de-la-virgen-de-la.html

El fotógrafo holandés Erwin Olaf realizó en el año 2008 una evocación de ciertas pinturas barrocas realizadas por grandes maestros como Velázquez, El Greco o Caravaggio, en donde recreaba su escenografía y composición asi como la actitud de sus protagonistas, tomando en fotografía lo que los pintores había recogido siglos atrás en sus lienzos. El tratamiento minucioso de la escena y sobre todo de la iluminación de la misma, juega con el claroscuro de la Universidad Laboral de Gijón, para atraer la vida palaciega de la época representada a través de un punto de vista irónico, pero sin deshacerse de las atmósferas de los originales.

Erwin Olaf es una de las promesas en el ámbito de la fotografía que despuntó gracias a trabajos rodeados de controversia y sorpresa, siendo esta capacidad de captar la atención la que le ha vinculado al mundo de la publicidad.

CARAVAGGIO – CENA IN EMMAUS

EL GRECO – DAMA DEL ARMINO

VELAZQUEZ – BUFON CALABACILLAS

Web: http://www.erwinolaf.com/

El Museo del Prado ofrece una inusual muestra que conjuga los retratos de corte más representativos de los siglos XVI y XVII junto con los grandes tesoros de la colección de armaduras de Patrimonio Nacional. Esta exposición inédita brinda la posibilidad de comparar directamente los retratos de corte pintados por los grandes maestros, como Tiziano y Velazquez, y las piezas de armadura que vestían los monarcas como simbolo del Imperio Español. Treinta y cinco pinturas dialogan con las veintisiete piezas y conjuntos de la Real Armería de Madrid, una de las mejores colecciones del mundo, para narrar la evolución del retrato de corte.

http://www.museodelprado.es/exposiciones/info/en-el-museo/arte-del-poder-armas-y-pinturas-de-la-corte-espanola